Rebecca Horn – Impressions from an exhibition (Centre Pompidou Metz, December 2019)

Thick red hair cut simultaneously with

2 rough scissors by the artist herself.

I am shivering inside, i feel it in my teeth, i have to close my eyes half.

Sharp or not sharp,

the pointed blades are passing in front of her eyes.

A strange creature is walking through a field

What is it? An animal? Human being escaped from the hospital?

Some kind of hybrid of both? It comes closer and reveals a woman naked,

Strapped into a corset, which makes me feel anxious inside.

It would be lovely to change into a unicorn in a way;

but this costume looks uncomfortable in its clinical bondage fashion,

balancing a uniqu-horn on her head.

Still I can feel the warmth of the summer day and the freedom,

walking through a field – naked.

Long extended fingers reaching towards the floor

What is she trying to do, trying to reach ?

It looks inefficient – or maybe not.

At least she does not have to bend down on her knees.

I am trying to imagine how it must feel in my fingers

When touching a thing so far away and through inanimate sticks.

Fascinating that some kind of sensory transmition is possible that way.

If I’d put it on,

a soft, white, feathery mask would be hiding my head.

I want to have it – it feels good

inside of its protective soothing, smoothing qualities,

like the sweetest stroke of motherly hands

or the belly of my cat, in which I nestle my face.

A grand piano hanging upside down from the ceiling

with a huge, dangerous mouth and teeth coming out

to attack, who comes too close.

Big beast ready to devour or to clash down

to bury my body under its massive resonating noise.

This is an art fragile strong courageous

and very ingenious.  It comes from lived pain and a poetic mind

not holding back to go deep and forward.

There is much humor in the craziness of life.

Beyond intellectual art I come to my senses

There is something about innovation and art. Art historians point to Renaissance as a turning point in the history of art, when Michelangelo and Leonardo da Vinci were maybe the first artists who actively and deeply explored the possibilities of art, representation and in Leonardo’s case even of science. Artists began to define themselves as a more special « species » than artisans (at least) and started to be celebrated like stars.

It took five centuries until the representational skills dissolved into the emotional representation of the surroundings with Impressionism and still 100 years until art reached the mind and became highly intellectual.

This development makes very much sense of course – humanity in general became more and more mind driven until we reach now a new breaking point. We find that we cannot sustain our species by purely advancing technology and securing our comfort through intellectual focus.

In art there is a huge comeback of craft, figuration and landscape and other nature topics - in design as well. If artists are the forerunners of social movements, as they are often seen, maybe there is hope? Is the art world finally getting bored with the intellect, opening up to more complete expressions with the integration of the « lower » (heart, body, nature) worlds?

Maybe in some tangible future we will stop looking for separation and gluing labels, trying to find security in small drawers and imprisoning ourselves in our small, known lives. In my own strivings I see a development in that sense. I am choosing now to throw most of my experiences, skills, techniques and materials into one pot, pulling out what is needed to create something new. Starting erasing the separation lines and allowing myself to feel vulnerable, even if it hurts?  

The last Judgment, 1536-1541 Michelangelo, Sistine Chapel Vatican, Rome

“The work is of such beauty that your excellency can imagine that there is no lack of those who condemn it. . . . To my mind it is a work unlike any other to be seen anywhere.” Reported the Roman agent of Cardinal Gonzaga of Mantua after its unveiling in 1541. (khanacademy.org )

Drawing of Human Fœtus, 1511, Leonardo da Vinci

The study correctly depicts the human fetus in its proper position inside a dissected uterus. Da Vinci depicted the uterus with one chamber, in contrast to theories that the uterus had multiple chambers which many believed divided fetuses into separate compartments in the case of twins. Da Vinci also correctly drew the uterine artery and the vascular system of the cervix and vagina. Wikipedia

Nympéas, 1914-1926, Monet

The Water lily series of Monet represent an articulate example of the very emotional vision of Impressionist Artists. There is a dissolution of the object into patches of light, shadow and colors which in a way comes much closer to the more contemporary vision of physics – Everything is Energy! This impressionist energy speaks directly to the heart of the viewer.

Fountain, 1917, Duchamp

« Mutt comes from Mott Works, the name of a large sanitary equipment manufacturer. But Mott was too close so I altered it to Mutt, after the daily cartoon strip "Mutt and Jeff" which appeared at the time, and with which everyone was familiar. Thus, from the start, there was an interplay of Mutt: a fat little funny man, and Jeff: a tall thin man... I wanted any old name. And I added Richard [French slang for money-bags]. That's not a bad name for a pissotière. Get it? The opposite of poverty. But not even that much, just R. MUTT. » Duchamp

(and there might be another juicy story of a very different author behind one of the most famous works of Art of the 20th century. https://www.theguardian.com/books/2019/mar/29/marcel-duchamp-fountain-women-art-history)

Le Décor et son Double, 1986, Daniel Buren

Daniel Buren is a French conceptual artist whose work lies at the crossroads of sculpture, installation and painting, as well as action and intervention. He came to fame in Paris with the B.M.P.T. group (the initials of Buren, Mosset, Parmentier and Toroni) in 1966-67 and continued to develop a critique of the art establishment. Buren appropriated a standard format fabric motif of 8.75 cm-wide vertical stripes (which alternate between white and a color) as a visual instrument, or sign, to ‘expose’. https://www.xavierhufkens.com/artists/daniel-buren

Black Rain, 2019, Shiaru Shiota

Shiota's oeuvre links various aspects of art performances and installation practices. Mostly renown for her vast, room-spanning webs of threads or hoses, she links abstract networks with concrete everyday objects such as keys, windows, dresses, shoes, boats and suitcases. Besides installation works, she frequently collaborates with choreographers and composers such as Toshio Hosokawa, Sasha Waltz and Stefan Goldmann for opera, concert and dance projects. (Wikipedia)

Rembembering Caroline 2018, Annette Mann

We will always remember nature, 2019, Annette Mann

My way of giving tribute to nature is creating textile sculptures which remind of her beauty and diversity.

Je suis un peu amoureuse de Meret Oppenheim

Je suis un peu amoureuse de Meret Oppenheim depuis plus de 30 ans. A l‘époque je vivais à Paris, travaillais comme Mannequin et commençais à m’intéresser pour l’art contemporain. Presque tous les jours j’allais à Drouot pour découvrir ce qui allait se vendre ou pas dans les ventes publiques.

A côté des visites à Drouot je visitait les musées, les galeries et les foires de l’art – il y avait une masse incroyable d’œuvres de toutes les époques possibles mais aujourd’hui je ne me rappelle de rien en particulier, à part ci et là des artistes qui me parlaient plus que d’autres et qui m’ont intéressé davantage par la suite.

Il y a une exposition - dans la galerie Karsten Greve - qui m’est restée dans l’esprit  – je me rappelle d’une tasse, d’une soucoupe et d’une cuillère recouverte de fourrure et je me rappelle du nom Meret Oppenheim.

Objet ou “Le déjeuner en fourrure” de Meret Oppenheim

Cette œuvre et le nom ont laissé une impression indélébile dans mon esprit plus qu’aucune autre pour je ne sais quelle raison. Quelque chose en elle m’a connectée, m’a émue, m’a fait rêvée,  m’a transportée.  Je ne pense pas qu’il faut chercher les raisons profondes et encore moins essayer de trouver la « vérité véritable » aux attirances et émotions. Se laisser porter est sûr de mener quelque part. 

 Cette tasse de porcelaine couverte de fourrure ma montré un nouveau chemin, elle était à la fois une surprise comme un rappel, quelque chose de familier et de rare, il y avait une forte attirance et un léger goût de dégoût. Il y a une magie qui émane de cette tasse comme il y a une magie qui émane de Meret Oppenheim elle-même. Je trouve chez elle la profondeur et la légèreté,  la féminité et la masculinité, l’humanité et le spirituel, la liberté et le confinement, la force et la fragilité.

 La première exposition en 1936 de cette création ensorcelante, qu’elle appelait « Objet » a trouvé un succès instantané. Le Musée de l’art Moderne de New York l’achetait pour sa collection et presque du jour au lendemain la toute jeune Meret Oppenheim de 23 ans était connue comme artiste surréaliste jusqu’aux Etats-Unis et cette étiquette est restée jusqu’ à présent comme d’autres étiquettes d’ailleurs.

 « Surréaliste », « sensuelle », « érotique », « libre »  - ce sont celles que je trouve souvent (pas seulement) et je ne veux pas dire que c’est faux mais cela me paraît aussi un peu creux. Oui, il émanait une énergie très particulière d’elle. Quand je vois la magnifique photo qui la montre nue devant la caméra de Man Ray – elle me semble comme une fleur rare qu’on a envie de posséder tandis qu’il est évident qu’elle restera à elle-même. Elle expose sa vulnérabilité, sa délicatesse comme une précieuse porcelaine. On veut la prendre de force parce qu’elle s’évade et aussi la couvrir, la protéger.

« Objet » c’est le titre choisi de M.O. pour la tasse, « le Déjeuner en fourrure » celui d’André Breton. L’œuvre est connue par le deuxième nom, mais « Objet » me paraît plus juste. Peut-être il s’agit d’un autoportrait intuitif, un instantané de la très jeune artiste-femme, juive en 1936, qui s’aventure à Paris en artiste encore peu éduquée et très ouverte, cherchant la vie, la profondeur, la liberté, sa propre identité. 

Erotique voilée, Meret Oppenheim à la presse chez Louis Marcoussis , 1933 Man Ray

Quand j’ai découvert « Objet », j’avais le même âge, j’étais au même endroit, je me suis lancé dans la vie d’une manière un peu aveugle, j’ai cherché l’art et moi. Cette peau de fourrure, je pense aujourd’hui qu’elle m’a semblé très appropriée à l’époque.

Et il y a d’autres interprétations plus sinistres, comme celle de Will Gompertz, ex-directeur de la Tate Modern, par exemple : « The sexual connotations of Object (Le Déjeuner en Fourrure) are obvious: drinking from the furry cup is an explicit sexual reference. But there is much more to it than a saucy joke. The image of a fur-lined cup and spoon would not be out of place in the first chapter of any book about anxiety nightmares, in which any pretense of being in control is subverted by sinister happenings. In this instance, a cup and spoon has grown hair, turning objects from which one should derive relaxation and pleasure into something aggressive, unpleasant and faintly disgusting. It has connotations of bourgeoise guilt: for wasting time gossiping in cafés and mistreating beautiful animals (the fur is from a Chinese gazelle). It is also an object designed to engender madness. Two incompatible materials have been brought together to create one troubling vessel. Fur is pleasing to touch, but horrible when you put it in your mouth. You want to drink from the cup and eat from the spoon—that is their purpose—but the sensation of the fur is too repulsive. It’s a maddening cycle. »

Ayant vu M.O. parler de sa première grande œuvre ou encore d’autres personnes proche d’elle – cette vision paraît plutôt lourde.  Un après-midi M.O. prend le thé avec Picasso et Dora Maar au Café de Flor; les deux artistes sont charmés par un bracelet recouvert de fourrure que M.O. avait crée pour Elsa Schiaparelli, Picasso fait la remarque qu’il aime tout ce qui est recouvert de fourrure et M.O. répond avec une boutade.  C’est un peu osé - le grand artiste provocateur et la jeune artiste-proie – qui se moque et qui ne tombe pas ! Il me semble qu’ »Objet » a été crée avec légèreté et audace, venant de l’inspiration du moment, d’une boutade initiée par Picasso, menée plus loin par M.O. et finalement réalisée avec un sens de provocation pour une exposition dans la galerie Charles Ratton. Il faut même se demander si elle est réellement « surréaliste ».  Pour moi il n’est pas clair si une œuvre surréaliste doit être créée avec cette intention ou si elle peut être viscérale. Meret Oppenheim était une femme, fascinée et inspirée par les rêves et dans ce sens on pourrait dire que le surréalisme vivait probablement en elle et que donc son art est surréaliste. Mais pour moi le surréalisme a souvent quelque chose d’un peu artificiel et l’œuvre de Meret Oppenheim se présente à moi plus spontané et plus naturel.

Meret Openheim, Fashion and Art